BLOG DEL DIA

Reflexiones De Una Guionista despide el año recibiendo el

 Premio Blog Del Día .

 Gracias a los amigos que me lo han concedido y gracias a todos los que os pasáis por aquí de vez en cuando a leer, saludar, comentar, mirar...

¡Feliz 2012 a todos!

La Muerte de un Burócrata: Una Venganza Poética de Tomás Gutiérrez Alea

Una de las ventajas de ser guionista es que, cuando alguien te fastidia, puedes utilizar la venganza poética para liberar sentimientos negativos y fobias varias. Eso es lo que hizo el cineasta cubano Tomás Gutiérrez Alea (1928-1996) en su cuarto largometraje “La Muerte de un Burócrata” en 1966. Según él mismo confesara años más tarde:

“Decidí hacer esta película a partir de una experiencia personal. Puede sucederle a cualquiera. Me vi de pronto atrapado en los laberintos de la burocracia a partir de unos problemas muy simples y elementales que quise resolver. Perdí mucho tiempo en eso y decidí hacer justicia por mis propias manos. Pensándolo bien –me dije- mejor hago una película y así me evito líos con la policía. […] Creo que muy pocos burócratas se reconocieron como tales ante el filme. Seguramente se reían, eso sí, de los otros burócratas, los que ellos mismos han tenido que padecer en alguna ocasión”. (1)

El argumento de este guión escrito por Tomás G. Alea, Alfredo del Cueto y Ramón F. Suárez empieza así:

Paco, fabricante de bustos del héroe cubano José Martí, muere accidentalmente y sus compañeros del sindicato deciden, como homenaje, enterrarlo con su carnet laboral. Cuando su esposa (Silvia Planas) y su sobrino Juanchín (Salvador Wood) van a solicitar la pensión de viudedad de la primera, el funcionario que les atiende les dice que para tramitar la pensión es imprescindible presentar el carnet laboral del difunto.

Como la única forma de recuperar el documento es exhumar el cadáver y la burocracia se lo impide, Juanchín decide desenterrar a su tío clandestinamente. Pero lo que iba a ser simplemente abrir la tumba, coger el carnet laboral y volver a cerrarla, se complica y el protagonista acaba llevándose el cadáver a su casa.

Juanchín piensa que volver a sepultarlo no será un problema pero el funcionario que dirige el cementerio le dice que no se puede enterrar a alguien que, según el registro, ya ha sido inhumado. Aquí empieza el via crucis de Juanchín, de oficina en oficina y de funcionario en funcionario, mientras intenta frenar la descomposición del tío Paco conservándolo entre cubitos de hielo...

Más allá de la anecdótica “venganza” de Tomás G. Alea en “La Muerte de un Burócrata”, la película es una divertidísima comedia negra, para el espectador, y una tragedia para el protagonista que se va hundiendo en una historia kafkiana y repleta de situaciones absurdas durante los 85 minutos que dura el filme.

Para delicia de los cinéfilos, Tomás Gutiérrez Alea rinde homenaje a sus cineastas favoritos y hace guiños a escenas y situaciones de películas de Luis Buñuel (Un Perro Andaluz), Harold Lloyd (la escena del reloj de Safety Last), Buster Keaton (transformando las “guerras de tartas” en “guerras de coronas mortuorias”), Charles Chaplin (Tiempos Modernos), las peleas de Laurel y Hardy… Lo que constituye un aliciente extra para decidirse a ver “La Muerte de un Burócrata”, un clásico del cine en español.

(1) Cineaste. Nueva York, 1979. “Un apoyo moral a las víctimas del burocratismo”, entrevista de Gary Crowdus a Tomás G. Alea.

1984: El Crimen Mental

En la película 1984 lo llaman “crimen mental”, Goebbels –Ministro de Propaganda de Hitler- lo llamaba “ideológicamente incorrecto”, hoy día lo calificamos de “políticamente incorrecto”. En todos los casos se trata de lo mismo: de imponer el pensamiento único.

La película británica 1984 está basada en la novela del mismo título de George Orwell. Con guión de Jonathan Gems y Michael Radford y dirigida por este último, 1984 nos lleva a una sociedad totalitaria gobernada por el inaccesible Gran Hermano, un dictador al que nadie ha visto en persona pero que vigila, a través de innumerables cámaras, a sus súbditos. Estas cámaras están acompañadas de pantallas televisivas que funcionan continuamente enviando mensajes ideológicos.

1984 es una película triste, desesperanzada y llena de desasosiego. No es agradable de ver ni por lo que se cuenta ni por la forma en que esto se muestra. La historia sucede en un mundo gris, sin sol, lleno de edificios en ruinas, suciedad y decadencia…

En la sociedad de 1984 es imposible evitar ser observado y nadie puede apagar las pantallas que adiestran a los seres humanos a pensar “correctamente”, es decir: a no pensar.

Si alguien se atreve a opinar, es considerado “mentalmente inadaptado” y la Policía del Pensamiento” entra rápidamente en acción para corregir al individuo “antisocial”.

El protagonista de 1984 es Winston Smith (John Hurt), un empleado del Ministerio de la Verdad que se dedica a reescribir la historia para que esta coincida con las consignas impartidas por el Partido y por el Gran Hermano.

Winston realiza su trabajo con diligencia pero no puede evitar cuestionarse la “verdad” del Partido, una “verdad” que cambia contantemente pero que siempre hay que aceptar como la única posible.

Winston piensa que un hombre debería tener el derecho a pensar que dos y dos son cuatro aunque el Gran Hermano asegure que son cinco. Y se pregunta cómo es posible dejar de ver la realidad por mucho que la Policía del Pensamiento se empeñe en ello: “¿Cómo puedo evitarlo? ¿Cómo puedo evitar ver lo que tengo delante de mis ojos?”

Esa será su perdición. Esa, y la relación amorosa que entabla, clandestinamente, con Julia (Suzanna Hamilton).

Acusados ambos de “crimen mental”, uno de los dirigentes del Partido, O’Brien (Richard Burton), iniciará su reeducación para enseñar a Winston que, en 1984, es posible evitar ver lo que se tiene delante de los ojos…

Queridísimos Verdugos: Viaje a la España Negra

Escrito y dirigido por Basilio Martín Patino entre 1971 y 1973, el documental Queridísimos Verdugos es un viaje a la España Negra del subdesarrollo, el hambre, la miseria y el analfabetismo.

Sus protagonistas son tres  verdugos  o, si utilizamos el término oficial, tres “agentes ejecutores de sentencias”: Antonio López Sierra, Vicente López Copete y Bernardo Sánchez Bascuñana.

Antes de ser verdugo, Antonio López Sierra (1913–1986) estuvo en la cárcel por robo, fue voluntario del ejército franquista durante la Guerra Civil, trabajó en un matadero, estuvo en la División Azul y, junto a Vicente López Copete (1914 – ¿?) chivato de la policía, estraperlista y timador. De lo que se puede deducir que, a veces, estar a un lado u otro de la ley es cuestión de mera casualidad…

Vicente López Copete fue también torero aficionado y falangista. Recuerda, en Queridísimos Verdugos, haber participado en la represión de los mineros de Asturias en 1934.

El tercer protagonista Bernardo Sánchez Bascuñana (1905-1972) ingresó voluntario en la Guardia Civil al estallar la guerra para luchar al lado de Franco. Dice que aceptó ser verdugo por la necesidad económica en que se halló al enfermar su mujer. Poeta aficionado, recita ante la cámara algunos versos grandilocuentes y de reminiscencias decimonónicas. Es el único de los tres al que su conciencia parece darle problemas, como puede verse en uno de los diálogos que los tres colegas mantienen en Queridísimos Verdugos:

Vicente L. Copete: “Si se hubieran ejecutado a más de cuatro que se debían haber ejecutado no hubieran estado ocurriendo más de cuatro cosas de las que ahora están ocurriendo”.

Antonio L. Sierra: “Ahora mismo ¡cuántas ejecuciones se tenían que haber hecho en España! Yo me he cargado a veintiocho, más cuarenta que tenían que haberse cargado ya, son sesenta y ocho; si vosotros hubierais matado a otros veintitantos…”

Bernardo S. Bascuñana: “No. Yo no he matado a nadie: es la Justicia”.

Antonio L. Sierra: “Si tú no matas a nadie, tú no, eres un representante de la Ley…”

Ante una opípara comida y con unos cuantos vinos en el cuerpo, los tres hablan de su oficio con la naturalidad de lo cotidiano. Nos cuentan detalles técnicos de su herramienta de trabajo: el garrote vil que, según ellos, es una herramienta eficaz, rápida e indolora. No opinan lo mismo un psiquiatra y un abogado que relatan su experiencia como testigos en dos ajusticiamientos.

Nos cuentan anécdotas como la de un condenado que había matado a su hermana de tres años con un hacha y había herido gravemente a otra de cuatro, a su madre y a su padrastro y que, en el momento de conducirlo hacia el garrote vil se negó a sentarse y echó a correr por el patio de la cárcel “pegando saltos por ahí diciendo:” “Bandidos, criminales, que lo que me queréis es matar”. “Pues, granuja, ¿y tú qué has hecho? ¿Tú qué has hecho? ¿Tú has frito un huevo, quizás?”

O recuerdan el humor negro de otro de los reos que le dijo al verdugo: “Tú con el aparato este” (el garrote vil) “eliminando y yo, con la pistola matando, somos los amos”.

Queridísimos Verdugos relata las historias de algunos condenados a muerte. Todos ellos homicidas sin el glamour de las películas de Hollywood. Todos ellos pobres, analfabetos y primarios, tan víctimas como aquellos a los que quitaron la vida… todos excepto, quizás, El Jarabo: elegante, culto, atractivo, seductor, psicópata y asesino en serie.

Queridísimos Verdugos tuvo que esperar a que muriese Franco, llegase la Transición y se eliminase la pena de muerte en España para estrenarse, en 1977. No sólo no ha perdido actualidad sino que, con el paso de los años, ha ganado como documento de esa época oscura y triste de nuestra Piel de Toro.

Voces Inocentes: El Niño Que No Quería Ser Soldado

Durante la Guerra Civil de El Salvador (1980 -1992) en la que se enfrentaron el ejército del gobierno (FAES) y el ejército guerrillero (FMLN), cuando los niños cumplían doce años, el ejército gubernamental los reclutaba para enviarlos al frente. La película mexicana Voces Inocentes cuenta la historia de uno de estos niños que no quería ser soldado: Chava.

Chava (Carlitos Padilla) vive con su madre y sus dos hermanos en una aldea situada en la frontera entre la zona del país en poder de la guerrilla y la controlada por el ejército gubernamental. El niño tiene once años y él y sus amigos saben que falta poco para que los soldados vengan a buscarlos.

Voces Inocentes (2004) narra la vida de Chava durante los meses anteriores a su doceavo cumpleaños.

También nos cuenta de Kella (Leonor Varela), su madre, una valiente mujer que cría sola a sus tres hijos desde que su marido emigró a Estados Unidos y del que no ha vuelto a saber. Kella vive con el miedo de regresar un día a su hogar, tras la jornada laboral, y encontrarse con alguno de sus hijos alcanzado por una bala perdida... O muerto porque se ha entretenido jugando y ha olvidado volver a casa antes del toque de queda...

Escrita por el salvadoreño Oscar Torres y el mexicano Luis Mandoki y dirigida por este último, la película cuenta la experiencia real vivida por Torres en su infancia.

Voces Inocentes es una historia tierna unas veces y dura otras, con momentos trágicos y violentos (como lo son todos los conflictos armados) pero que arranca, en ocasiones, la sonrisa provocada por unos críos que no pueden dejar de serlo aunque vivan entre la miseria y la guerra.

Unos niños que no pueden dejar de ser traviesos, inocentes e ingénuos, a pesar del mundo en que viven. Que no quieren ser soldados porque les gusta más jugar que ir a la guerra...

House Of Cards: El Protagonista más Cínico y Corrupto de la Televisión

Si se hiciera un concurso para elegir al personaje más cínico y corrupto de la historia de la televisión, el protagonista de House of Cards (Castillo de Naipes), Francis Urquhart, tendría muchas posibilidades de alzarse con el premio.

Basada en la novela homónima de Michael Dobbs y con guión de Andrew Davies, la miniserie británica House of Cards (1990) empieza tras la caída del poder de Margaret Tatcher.

Su protagonista, Francis Urquhart (Ian Richardson) es un ficticio Jefe De grupo Parlamentario del Partido Conservador que, bajo una imagen de honradez, modestia y voluntad de servicio a su país y a su partido, esconde una ambición y una amoralidad sin límites.

Inteligente, irónico, corrupto y con sentido del humor, Francis Urquhart inicia una carrera de ratas junto a otros compañeros de partido para conseguir el puesto de Primer Ministro. No dudará en mentir, conspirar, traicionar o matar para conseguir su objetivo.

Sólo dos personas conocen lo que pasa realmente por la cabeza de Francis Urquhart: su esposa (una Lady Macbeth del siglo XX) y el espectador, al que el protagonista convierte en su cómplice mirando directamente a la cámara, comentándole sus planes y haciendo chistes sobre sus adversarios.

A House of Cards (4 episodios de 60 min.) siguió en 1994 To Play The King (Jugada de Rey) en la que Francis Urquhart no tiene ningún empacho de enfrentarse directamente con un imaginario rey de Inglaterra (sospechosamente parecido al príncipe Carlos) y recordarle que los reyes no necesariamente son vitalicios, que se les puede obligar a abdicar...

Por fin, en 1995, se emitió la última parte de esta trilogía, The Final Cut (El Corte Final),en la que el protagonista llega aún más lejos: si para mantenerse en el poder y lavar su imagen tiene que organizar una pequeña guerra en algún lugar de Europa... qué se le va a hacer...

HOUSE OF CARDS: LA PRIMERA SERIE DE ENVERGADURA PARA INTERNET.

Varias cadenas de televisión por cable norteamericanas querían los derechos de House Of Cards para realizar su propia versión: HBO, FX y AMC. Pero ha sido Netflix (una plataforma de vídeo, totalmente legal, que ofrece en streaming películas y series de televisión) la que se ha llevado el gato al agua.

Esto convierte a la versión americana de House of Cards en la primera serie de envergadura realizada para ser emitida por internet.

Protagonizada por Kevin Spacey y con David Fincher (director de La Habitación del Pánico, El Curioso Caso de Benjamin Button, La Red Social, etc.) como productor ejecutivo y director del primer episodio. Está previsto que la primera temporada de la serie conste de 26 capítulos de una hora con posibilidad de que dure varias temporadas más.

Netflix ha anunciado que House of Cards se estrenará en 2012 para el público de Canadá y los U.S.A. Los demás, me temo, tendremos que esperar...

Crímenes de Imitación: "No es Culpa Mía, es Culpa del Cine"

A menudo se acusa al cine (y a la televisión, los juegos de rol, los videojuegos...) de ser la causa de actos violentos en la vida real. Son muchos los criminales de imitación que se inspiran en las películas para cometer sus delitos. La siguiente es una lista de los casos más conocidos pero podría ser más larga.

 

THE GREAT TRAIN ROBBERY (Asalto y Robo del Tren, 1903)

Guión: Edwin S. Porter y Scott Marble. Dirección: Edwin S. Porter

- Asalto y Robo del Tren, uno de los primeros westerns de la historia del cine es, muy posiblemente, la primera película que sufrió críticas por ejercer una mala influencia en los espectadores. Parece ser que poco después de su estreno, aumentaron los atracos a las oficinas de las estaciones de tren.

SCREAM (1996)

Guión: Kevin Williamson. Dirección: Wes Craven

- En enero de 1998, Samuel Ramírez, de 14 años y Mario Padilla, de 16, apuñalaron 45 veces a la madre de este último en California. Dijeron al juez que lo habían hecho para robarle a la mujer el dinero que necesitaban para comprar un disfraz y una máscara como las de Ghostface, el asesino de Scream.

- En Inglaterra, Daniel Gill y Robert Fuller, de 14 y 15 años respectivamente, apuñalaron 18 veces a una amiga. Antes del intento de asesinato habían estado viendo Scream en casa de un traficante de drogas...

- En Florida, un hombre con la máscara de Ghostface disparó contra una mujer, matándola. En Francia un chico mató a sus padres. En Inglaterra dos niños mataron a un tercero...

THE MATRIX ( Matrix, 1999)

Guión y Dirección: Larry y Andy Wachowski

- Se dice que los asesinos de la matanza del instituto de Columbine se habían inspirado en la película pero lo cierto es que no vivieron para confirmarlo.

- El que sí aseguraba haber sido influido por Matrix es Lee Boyd Malvo quien, junto a John Allen Muhammad, mató a tres personas en Louisiana y Alabama y a diez en Whasington. Declararon que habían planeado matar a seis víctimas al día "para aterrorizar al país".

- En San Francisco, Vadim Mieseges mató a una mujer y declaró en el juicio que había sido abducido por Matrix.

- En Ohio, una chica disparó en la cabeza a una mujer (y tenía pensado hacer lo mismo con otras tres cuando la detuvieron). Declaró que no lo había hecho de verdad, que era un sueño...

- En Virgina, Joe Cook, de 19 años, aseguró al juez que no se dió cuenta de lo que hacía cuando se vistió como Neo, cogió un arma (que había comprado porque se parecía a una de las usadas en Matrix), y mató a sus padres adoptivos. Supongo que el juez tendría en cuenta que los padres biológicos de Joe eran esquizofrénicos...

 

NATURAL BORN KILLERS (Asesinos Natos, 1994)

Argumento: Quentin Tarantino. Guión: Oliver Stone, Dave Veloz y Richard Rutowski.

Dirección: Oliver Stone

- En Georgia, Ronnie Beasley se afeitó la cabeza, se compró unas gafas como las del protagonista de Asesinos Natos y, junto a su novia, Angela Crosby, se dedicó a recorrer el país en coche robando, secuestrando y matando a quien se les ponía por delante. La pareja se hacía llamar Mickey y Mallory, como los personajes del filme de Oliver Stone.

- También Nathan Martínez se compró unas gafas de sol y se afeitó la cabeza como Woody Harrelson antes de conducir hasta Salt Lake City, Utah, y asesinar a su madrastra y a su medio hermana de 10 años.

- Después de pasarse la tarde viendo una y otra vez Asesinos Natos y tomando LSD, Sarah Edmondson y Benjamin Darras cogieron un coche y condujeron desde Oklahoma hasta Mississipi, donde mataron a un hombre de un disparo. Después, en Louisiana, dispararon contra Patsy Byers, a la que dejaron parapléjica.

El marido de Patsy Byers demandó a Oliver Stone, a la productora y a la distribuidora de la película porque consideraba que ellos habían inspirado los crímenes.

- Kimveer Gill disparó contra los alumnos del Dawson College de Montreal, matando a una persona e hiriendo a 19 antes de ser detenida.

- Un chico de 14 años decapitó a una muchacha de 13 en Texas. Un grupo que había visto la película 19 veces mató a un camionero en Georgia.

THE FISHER KING (El Rey Pescador, 1991)

Guión: Richard LaGravenese. Dirección: Terry Guilliam.

- No se puede decir que El Rey Pescador sea una película violenta. Aún así, una de las escenas del filme inspiró a George Hennard la idea de entrar en una cafetería de Texas y empezar a disparar contra los clientes. Mató a 22 e hirió a 23 antes de suicidarse.

Hay que observar que los vecinos de Hennard le consideraban una persona extremadamente violenta y con ataques de paranoia...

TAXI DRIVER (1976)

Guion: Paul Schrader. Dirección: Martin Scorsese.

- Antes de ver Taxi Driver, John Hinkley Jr. ya había estado bajo tratamiento psiquiátrico, tenía una novia imaginaria, había acosado a Jodie Foster y al presidente norteamericano Jimmy Carter. O sea, que el chico ya prometía.

Cuando vió el filme de Scorsese, Hinkley llegó a obsesionarse tanto con el personaje protagonista que acabó creyendo que era él.

En 1981 intentó matar al presidente Ronald Reagan e hirió a tres personas antes de ser reducido y detenido.

THE TEN COMMANDMENTS (Los Diez Mandamientos, 1956)

Guión: Dorothy Clarke Wilson, J. H. Ingraham, A. E. Southon. Dirección: Cecil B. DeMille.

- Heinrich Pommerencke (apodado "LA Bestia de la Selva Negra) era un joven de la Alemania Occidental obsesionado con el sexo que, tras ver la, según él, conducta licenciosa de las mujeres en Los Diez Mandamientos, decidió dedicarse a violarlas y matarlas en 1959 y 1960, hasta que pudo ser detenido.

AMERICAN HISTORY X (1998)

Guión David McKenna. Dirección: Tony Kaye

- Aunque American History X sea un alegato contra la violencia racista, tres neonazis alemanes se inspiraron en ella para matar a un compañero de clase judío.

AMERICAN PSYCHO (2000)

Guión: Mary Harron, Guinevere Turner. Dirección: Mary Harron

 

- Michael Hernández asestó 40 puñaladas a su amiga Jamie Gough después de haber pasado la noche leyendo críticas y reportajes sobre esta película... y sobre los asesinos de niños en Australia.

A NIGHTMARE ON ELM STREET (Pesadilla en Elm Street, 1984)

Guión y dirección: Wes Craven.

- En Inglaterra, Donald Gonzalez quería ser famoso y no sabía cómo conseguirlo. Pesadilla en Elm Street le dió la idea: mataría a diez personas para asegurarse de pasar a la historia y, de paso, sabría cómo se siente uno al ser Freddy Krueger.

Recorrió Sussex y el Norte de Londres durante tres días de drogas y violencia acuchillando a la gente. Mató a cuatro personas e hirió a dos antes de ser detenido. Por cierto, había sido diagnosticado como esquizofrénico paranoide...

ROBOCOP 2 (1990)

Guión: Edward Neumeier, Michael Miner, Frank Miller y Walon Green. Dirección: Irvin Kershner

- Un asesino en serie de Orange County (Nueva York) declaró que mató a sus seis primeras víctimas de la misma manera en que lo hacía un personaje de Robocop ".

A CLOCKWORK ORANGE (La Naranja Mecánica, 1971)

Guión y dirección: Stanley Kubrick.

 

- Tras el estreno de La Naranja Mecánica, muchos adolescentes ingleses adoptaron la forma de vestir del protagonista y sus amigos al principio de la película. Algunos decidieron imitar algo más que la vestimenta:

Un muchacho de 16 años mató a patadas a un hombre de 60. Otro, vestido como el protagonista, golpeó salvajemente a un niño. Una chica holandesa fue violada por un grupo mientras cantaban Singin' in the Rain (Cantando Bajo la Lluvia), como en La Naranja Mecánica.

BRAVEHEART (1995)

Guión: Randall Wallace. Dirección: Mel Gibson.

- Tras ver Braveheart, tres chicos escoceses dieron una brutal paliza a un adolescente inglés mientras gritaban, como el personaje protagonista William Wallace, "¡Libertad!"

L'Ultimo Padrino: El Capo más Discreto de Corleone

Si Il Capo dei Capi (El Capo de Corleone) contaba la vida del capo de la Mafia Corleonesa Toto Riina, L'Ultimo Padrino se centra en Bernardo Provenzano (Michele Placido), el hombre que le sustituyó en el mando cuando Riina fue detenido en 1993.

Cuando Bernardo Provenzano tomó la dirección de la Mafia de Corleone, se dispuso a dar un giro de 180 grados a la forma de operar de la organización. Decidió que se habían acabado los ataques frontales al Gobierno y a la Judicatura italianos, los asesinatos de personas conocidas y las guerras con otras familias mafiosas.

Bernardo Provenzano quería que la Mafia se volviera discreta y simulara desaparecer para conseguir, de ese modo, el poder político y económico en Italia. Quería que la organización se volviera más fuerte y peligrosa gracias a la invisibilidad.

Una invisibilidad que el padrino corleonés había cultivado toda su vida para sí mismo: En el 2005, para la policía italiana, Bernardo Provenzano era una especie de fantasma del que se sabía poco.

Se tenía una sola fotografía suya tomada cincuenta años antes, los mafiosos arrepentidos no contaban nada de él, no se sabía dónde se escondía...

Por esto, la Policía de Estado decidió crear un grupo especial de investigación (el Gruppo Duomo) compuesto por veinticinco de sus mejores agentes con la única misión de encontrar y detener a Bernardo Provenzano, el llamado Último Padrino. La serie se centra en el trabajo de este grupo.

Con guión de Giovanni Bianconi, Stefano Bises y Leonardo Fasoli, L'Ultimo Padrino puede considerarse una secuela de Il Capo Dei Capi aunque ambas miniseries pueden verse de forma independiente.

Dirigida por Marco Risi, L'Ultimo Padrino consta de dos episodios de 90 minutos cada uno. Fue rodada y emitida en 2008, dos años después de que Bernardo Provenzano fuese detenido por la policía italiana.

Si habéis visto Romanzo Criminale (Roma Criminal) o Il Capo dei Capi  (El Capo de Corleone) y os han gustado, seguro que L'Ultimo Padrino también os gustará.

Ispaniya (España): Una Mirada Soviética Sobre la Guerra Civil Española

Cualquiera que haya visto algún material filmado de la Guerra Civil Española, muy probablemente, ha visto imágenes de los cineastas soviéticos Roman Karmen y Boris Makaseyev.

Del mismo modo que cualquiera que haya visto fotografías de dicha contienda, seguramente, ha visto parte del trabajo de Robert Capa y de Agustí Centelles: Porque el trabajo de estos cuatro hombres tiene tal calidad técnica y estética que ha sido reproducido una y otra vez en documentales, noticiarios, periódicos, libros, etc.

"Ispaniya" (España) es un documental de compilación cuya dirección suele, erróneamente, atribuírsele a Roman Karmen.

En el verano de 1936, Roman Karmen y Boris Makaseyev llegan a España. Han sido enviados como camarógrafos para filmar imágenes destinadas a una serie de crónicas sobre la Guerra Civil Española titulada "Ksobytiyam v Ispanii" (Sobre los Hechos de España). Desde agosto de 1936 hasta junio de 1937, Karmen y Makaseyev envían a la URSS material para veintidós episodios.

Aunque la serie estaba destinada exclusivamente al público de la URSS, también utilizaron sus imágenes otros cineastas como Luis Buñuel, que usó parte del material para sus mediometrajes de apoyo a la República "Espagne 1936" y "Espagne 1937"; Dziga Vertov en su documental "Kolibel'naya" (La Nana) en 1937; Frederic Rossif en "Mourir à Madrid"; el propio Karmen, en 1937, en su cortometraje "Madrid en Llamas"...

Hasta los nazis presentaron en su noticiario "UFA Wochenschau" imágenes filmadas por Karmen y Makaseyev (no se sabe si las consiguieron sobornando a algún funcionario soviético o realizando copias clandestinas del material fílmico que pasaba por Alemania cuando los cineastas lo enviaban a la URSS).

Con las imágenes filmadas por los dos cineastas soviéticos, además de la serie "Ksobytian v Ispanii", se había decidido hacer un largometraje: "Ispaniya".

Nunca se le dio a Karmen la dirección del documental pero sí estaba previsto que fuese supervisor y colaborador de Esfir Shub, la directora de montaje.

También estaba previsto que el guión fuese escrito por Michael Kolstov, corresponsal del Diario Pravda en España durante la guerra, al que Karmen había acompañado con su cámara en numerosas ocasiones y que, por lo tanto, conocía el material de primera mano.

Pero, antes de que se escribiese el guión y se iniciase el montaje, Kolstov fue detenido y deportado en una de las famosas purgas estalinistas y Karmen fue enviado a China a filmar la lucha contra los japoneses.

Se escogió a Vsevolod Vishnevski como guionista y Esfir Shub dirigió el montaje en 1939, cuando la República Española ya había perdido la guerra y se había firmado el pacto Hitler-Stalin.

Imagino que esto último influyó para que la intervención nazi en la Guerra Civil quede difuminada en "Ispaniya".

Cierto que en determinado momento se califica a Franco de "verdugo italiano-alemán" y que vemos cómo cae ardiendo un avión con la cruz gamada, pero en las escenas de bombardeos aéreos sobre la población civil no se dice que los cazas que están matando a viejos, mujeres y niños son alemanes...

Se hace hincapié en las tropas profesionales italianas que Mussolini había enviado a apoyar a los sublevados fascistas y en las marroquíes que Franco trajo de África, pero no se alude a las alemanas...

Nos muestran a los civiles alemanes antifascistas que vinieron voluntariamente a luchar al lado de la República, la Brigada Thaelmann, pero no se alude a la italiana Brigada Garibaldi que acudió con el mismo propósito...

Se acusa a los troskistas de la caída de Madrid...

A mi entender esto, visto hoy día, da doble valor documental a "Ispaniya": Por un lado tenemos las excelentes imágenes de Karmen y Makaseyev sobre nuestra guerra y, por otro, vemos el tipo de noticiarios que el gobierno de la URSS daba a sus ciudadanos en aquella época.

El documental suaviza la derrota de la República con palabras que aluden a la lucha clandestina que acaba de nacer: "Un pueblo así no será vencido nunca. Aunque los traidores hayan abierto a Franco las puertas de Madrid. Aunque hayan sido fusilados los mejores camaradas, la lucha seguirá implacable. Sin compromiso alguno. Lucha secreta y lucha patente, de día y de noche. Siempre y en todo lugar. El pueblo no se doblegará. Jamás se pondrá de rodillas".

Cuando Roman Karmen vio la película ya acabada se mostró descontento del resultado y,

durante toda su vida, albergó el proyecto de hacer un largometraje dirigido, esta vez sí, por él sobre su visión de nuestra Guerra Civil y titularlo "Ispaniya".

Nunca pudo cumplir su sueño pero, en 1966, tuvo la oportunidad de volver a España con una cámara de 16 mms. y filmar y dirigir su documental "Grenada, Grenada, Grenada Moja" (Granada, Granada, Granada Mía) que habla de lo que la Guerra Civil Española significó para su generación.

Monsieur Verdoux: El Asesinato Como Actividad Laboral

Monsieur Verdoux (Charlie Chaplin, 1947) es un modesto empleado de banca al que la crisis económica ha enviado al paro. Cuida con amor a su esposa minusválida y enseña a su hijo a no ser cruel con los animales, a ser honrado y bondadoso.

Monsieur Verdoux es vegetariano, adopta gatitos callejeros y tiene los modales y la cortesía de un auténtico caballero.

Cuando empieza la película, nos presentan a Henri Verdoux cuidando con mimo los rosales de su jardín y salvando la vida de una oruga... mientras la chimenea de su incinerador destruye el cadáver de su última víctima.

Y es que el protagonista de Monsieur Verdoux, cuando se quedó en paro decidió emprender un peculiar negocio: seducir a mujeres maduras y con solvencia económica, casarse con ellas, apoderarse de sus bienes y matarlas.

Tiene varias esposas repartidas por toda Francia y las va liquidando a medida que necesita su dinero.

Su familia, ignorante de la nueva "actividad laboral" a que Henri Verdoux se dedica, lamenta que pueda pasar tan poco tiempo en casa debido a lo mucho que tiene que viajar a causa de su "empleo".

Resulta difícil imaginarse al entrañable vagabundo Charlot como a un asesino en serie e imagino que, en el momento de su estreno, los espectadores quedarían asombrados.

Lo cierto es que, cuando uno ve Monsieur Verdoux no puede evitar identificarse con el criminal y desearle suerte en sus "negocios". Sobre todo cuando uno de sus "negocios" (una simpática y alocada viuda) se le resiste. La víctima en cuestión deshace todos los intentos de Monsieur Verdoux por asesinarla sin darse cuenta de las intenciones de este.

Charlie Chaplin definía, en el New York Times, la filosofía de su personaje con la siguiente frase: "Von Clausewitz dijo que la guerra es la extensión lógica de la democracia; M. Verdoux piensa que el asesinato es la extensión lógica de los negocios".

Es cierto: Este asesino de mujeres no entiende por qué se le persigue ni por qué la gente se escandaliza tanto por sus crímenes. Piensa que es una reacción exagerada, que no se puede comparar a un asesino en serie con una matanza bélica: "Por un asesinato se es un villano; por miles se es un héroe. Los números santifican".

Y es que si algo muestra con claridad la tragicomedia Monsieur Verdoux, es la facilidad que tenemos los seres humanos para justificar, ante los demás y ante nosotros mismos, nuestros peores actos.

Crematorio: El Poder Corrompe

Dicen que el poder corrompe y que el poder absoluto corrompe absolutamente. Rubén Bertomeu (José Sancho), el protagonista de Crematorio, piensa algo muy parecido: "Cuando eres poderoso dejas de ser todo lo demás".

La miniserie (8 capítulos de 55 minutos) Crematorio empieza cuando, accidentalmente, se descubre que el tanatorio de un ficticio pueblo de la Costa Levantina no incinera los cadáveres porque sale demasiado caro y los entierra clandestinamente a las afueras del pueblo. Cuando la policía se hace cargo del caso, descubre que en la misma fosa se hallan los esqueletos de una veintena de caballos muertos más de veinte años antes.

A partir de aquí se desarrolla una trama de sospechosas fortunas hechas, de la noche a la mañana, gracias a la destrucción del paisaje costero, a la especulación del suelo, la corrupción de funcionarios y políticos locales, de mafias de la Europa del Este, de trata de blancas, narcotráfico...

Creo que no hay un solo español al que no le suene esto o no lo haya visto decenas de veces en los noticiarios y periódicos de los últimos años.

La novedad es que Crematorio no es un reportaje sobre la corrupción en España sino una serie televisiva emitida por Canal Plus en marzo de este año (quien se la perdiera, puede volver a verla a partir del miércoles 27 de julio o adquirirla en DVD o Blu Ray).

Otra novedad es que, al fin, una cadena española, Canal Plus, ha decidido arriesgarse y apostar por proyectos de calidad y con personalidad propia, en lugar de repetir los mismos esquemas que funcionan en los otros canales televisivos.

También es novedoso que el trabajo de producción de Crematorio se parece más al de un largometraje de cine que al de una serie de televisión. Por ejemplo:

- El plan de rodaje se organizó partiendo de las localizaciones.

- En la preproducción, todos los departamentos empezaron a trabajar conociendo ya el guión definitivo, lo que les permitía tener una visión de conjunto de toda la serie desde el primer día.

- Casi toda la serie se ha rodado en localizaciones naturales y no en platós.

- El tratamiento (y el resultado) de la imagen es cinematográfico y no televisivo, lo que les ha permitido aprovechar la luz y el colorido mediterráneos y darle un sello propio y distintivo a la serie.

Crematorio es la adaptación de la novela homónima de Rafael Chirbes que obtuvo el Premio Nacional de la Crítica en 2008 y, hasta el momento, ha sido traducida a siete idiomas.

El guión ha sido escrito por Jorge Sánchez-Cabezudo (director), Alberto Sánchez-Cabezudo (co-productor) y Laura Sarmiento Pallarés.

La productora que puso en marcha el proyecto y lo ha llevado a cabo es MOD Producciones. Una empresa que ha dado muchos productos de calidad como la películas de Alejandro Amenabar Los Otros, Ágora y Mar adentro (Oscar a la mejor película extranjera en 2005), Lucía y el Sexo (Julio Medem) o Biutiful, nominada al Oscar a la mejor película y a la mejor interpretación masculina (Javier Bardem).

A aquellos de vosotros que aún no hayáis visto Crematorio, os la recomiendo. Y no sólo por su calidad sino porque es un fiel retrato de cierta España contemporánea, la España negra que ha provocado que cientos de miles de ciudadanos indignados acampen en las plazas de nuestras ciudades desde el pasado mes de marzo.

Lo dicho: que el poder corrompe y el poder absoluto corrompe absolutamente.

NOTA: Si quieres saber más sobre esta serie, aquí te dejo el enlace al blog de un amigo: Cine: Bélico, Western, Negro

Carlos: El Terrorista Más Buscado Durante Veinte Años

Dirigida por Olivier Assayas, "Carlos" es una película de cine y una miniserie franco-alemana.

Se estrenó como película, fuera de competición, en el Festival de Cannes de 2010 y, tras su paso por las pantallas de cine, fue emitida en tres capítulos de 90 minutos por Canal Plus (Francia) y otras cadenas europeas y norteamericanas.

"Carlos" es el seudónimo más utilizado por el venezolano Ilich Ramírez Sánchez, uno de los terroristas más buscados del mundo durante dos décadas y protagonista de la serie que narra veinte años de su vida: Desde que, en 1974 intenta asesinar a un hombre de negocios británico en Londres hasta que, en 1994, es localizado y detenido por la policía francesa en Sudán.

Entre ambas escenas se suceden asesinatos, atentados con coche bomba, tráfico de armas, el asalto a la Conferencia de la OPEP en Viena en 1975 y el secuestro de los asistentes a la misma, etc.

Ilich Ramírez Sánchez y un grupo de extremistas de izquierda alemanes creían -o decían- estar haciendo la revolución proletaria cuando, en realidad, eran peones en el tablero de la Guerra Fría donde los servicios secretos de algunos gobiernos de la Europa del Este y de varios países árabes, los utilizaban para enviar mensajes a otros gobiernos de la Europa Occidental y de Estados Unidos.

Carlos fue entrenado por los palestinos, colaboró con la STASI (policía secreta de Alemania del Este), tuvo pisos francos en varios países de la Europa Socialista, mantuvo tratos con ETA y trabajó para varios gobiernos árabes, como Síria y Libia, que le encargaban atentados y asesinatos en otros países previo generoso pago en dólares.

Los guionistas (Dan Frank y Olivier Assayas) pasaron varios años investigando antes de sentarse a escribir el guión. Consultaron archivos, leyeron memorias de algunos de los protagonistas, se entrevistaron con ellos cuando fue posible....

Involuntariamente, la STASI y los servicios secretos de varios países de Europa del Este fueron de gran ayuda en la escritura del guión ya que, cuando Carlos y sus compañeros vivieron allí, instalaron escuchas en sus casas y también grababan todas las conversaciones que sus agentes mantenían con los terroristas, por lo que gran parte de los diálogos de la serie, son transcripciones literales de las conversaciones reales.

Rodada en siete meses y en seis países (Austria, Francia, Alemania, Hungría, Líbano y Marruecos), el idioma más utilizado en la serie es el inglés con fragmentos en francés, español, húngaro, italiano, árabe, alemán, ruso, holandés y japonés.

El auténtico "Carlos", que está hoy día encarcelado en Francia y aún tiene pendientes varios juicios por algunas de sus acciones terroristas, vio fragmentos de la serie antes de que esta fuera emitida y mostró su enfado por la misma.

Su abogado intentó detener el estreno, sin conseguirlo, y ha anunciado que interpondrá dos querellas contra los responsables de la serie: una, alegando que la producción viola las leyes del secreto sumarial (aunque Ilich Ramírez ha sido juzgado por varios cargos, tiene pendientes otros juicios por acciones terroristas) y otra, reclamando parte de los beneficios económicos de la producción para su defendido.

El Cochecito: Ternura y un Poquito de Crueldad

El Cochecito, es una comedia negra con toques de humor del absurdo, bastante ternura y un poquito de crueldad.

Su argumento es el siguiente:

Cuando Lucas (José Álvarez "Lepe"), un jubilado paralítico, cambia su tradicional silla de ruedas por un cochecito de minusválido con motor, conoce a otros discapacitados "motorizados" con los que empieza a salir y deja un poco abandonado a su mejor amigo, Don Anselmo (José Isbert).

Don Anselmo comprende que, si quiere que el grupo de discapacitados le acepte, tendrá que dejar de caminar por su propio pie y comprarse un cochecito como los que ellos usan; a lo que la familia del anciano, lógicamente, se opone.

Así empieza una "batalla" sin cuartel entre Don Anselmo y su familia que durará hasta el final del film.

Siempre he pensado que las películas del Neorrealismo Italiano y el mejor cine español de los cincuenta y los sesenta (Berlanga, Bardem, Buñuel, Forqué, Fernán Gómez, etc.) son intercambiables porque ambas cinematografías muestran realidades muy similares y personajes parecidos.

La diferencia está en que si Berlanga o Buñuel hubiesen dirigido Ladrón de Bicicletas esta habría sido una comedia negra. Y si Rossellini o De Sica hubieran dirigido El Verdugo o Plácido las habrían convertido en tragedias.

Quizá por eso la unión entre el director italiano Marco Ferreri y el guionista español Rafael Azcona dio dos de las más ingeniosas películas del cine español: El Pisito (1958) y El Cochecito (1960). Dos comedias negras basadas en las desgracias de los personajes.

El Cochecito es una adaptación de uno de los relatos del libro Pobre, Paralítico y Muerto de Rafael Azcona.

Era el segundo guión que escribió Rafael Azcona (su opera prima, y la de Marco Ferreri, fue El Pisito) y algunos lo tachan de desigual.

Esto se debe a que Azcona y Ferreri se saltaron una de las reglas básicas de escritura cinematográfica: la de ir directo al grano y no escribir ni una escena, situación o réplica que no haga avanzar la acción o no dé información necesaria para la historia.

Ese es uno de los motivos por los que me gusta El Cochecito. Por todas esas escenas, situaciones y diálogos innecesarios, desde el punto de vista de la construcción dramática, pero que dan ambiente y color a la película.

Me refiero a esos personajes que aparecen antes o después de lo realmente importante de las escenas: Los dos frailes que llegan a la casa una de las veces que sale Don Anselmo, la vecina y su gallina, la conversación con la familia de Lucas, al principio de la película, cuando Don Anselmo va a buscarle a la vaquería...

Hay secuencias que se podrían suprimir y la pelicula ganaría en ritmo pero perdería encanto: la comida en casa de la marquesa, la conversación de Don Anselmo con el señor que espera a que su hijo le atienda en el despacho...

El Cochecito tiene algo muy característico del buen cine español de la época que hace que uno pueda ver esas películas varias veces descubriendo siempre cosas nuevas: Hay muchas escenas en las que, mientras en primer término sucede algo que hace que la historia avance, en segundo plano tiene lugar una escena paralela con su propio argumento.

Por ejemplo: Mientras Don Anselmo habla con su hijo y su nuera en la habitación de estos, vemos en la cocina -a través de la puerta abierta- a su nieta (Chus Lampreave) y al novio de esta (José Luis López Vázquez) desayunando y manteniendo una conversación que podemos seguir si dejamos de centrarnos en la principal.

O cuando el grupo de discapacitados espera a Don Anselmo en la calle para ir de excursión:

La escena empieza con Lucas explicando por qué tienen que esperar a Don Anselmo que viene en autobús y, a la vez que este diálogo sigue entre varios personajes, pasa a primer término la charla entre Julita y su novio.

Ambas conversaciones se mantienen al unísono (el espectador debe elegir cuál de las dos sigue) hasta que llega Don Anselmo y mientras, al fondo, aparecen las niñas de un colegio con las monjas que les acompañan.

Una vez han salido niñas y monjas de cuadro y Don Anselmo y sus amigos se marchan, la cámara nos mantiene en el mismo lugar donde ahora vemos un autocar al fondo y oímos una discusión entre varios pasajeros y el conductor.

En cuanto a los diálogos... La gracia de los chistes de Rafael Azcona reside más en la manera de hablar de sus personajes y en el uso de expresiones coloquiales que en los chistes en sí.

Bueno... y en lo absurdo de ciertas réplicas. Como en el momento en que el hijo de la marquesa se empeña en jugar con una enorme langosta muerta y Don Anselmo le comenta: "Es un animal muy cariñoso... Muy cariñoso y muy inteligente. Yo domé una..."

O cuando el dueño de la tienda de aparatos ortopédicos dice a Don Anselmo. "¿Que se le anquilosan las piernas? ¡Mejor! Si en el año 2000 nadie va a utilizar la piernas... Salvo los futbolistas, claro".